Espelhos da alma: exposição em Nova York faz um passeio pela revolução dos retratos
Como grandes nomes da arte se desprenderam da perfeição das linhas para explorar as emoções das figuras que pintavam
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5 jul 2026, 08h00 | Atualizado em 13 jul 2026, 09h04
Durante séculos, os retratos pintados ou esculpidos em mármore serviam para eternizar figuras que ostentavam glória e poder. A preocupação em registrar com precisão integrantes da realeza e do alto clero guiava os pincéis. Assim, esses trabalhos deixaram para a multidão que hoje lota os museus uma boa ideia das feições de seus modelos. Um mergulho no tempo mostra que lá atrás, no Egito Antigo, os faraós chegavam a encomendar a artesãos seus rostos em granito, medida fundamental na trilha para a imortalidade. A arte caminhou aferrada à busca pelo traço perfeito, um espelho da realidade, até que novos tempos trouxeram à cena uma concorrente de peso aos virtuosos artistas — a fotografia, um advento do século XIX. E o alerta soou nos ateliês, onde a necessidade de reinvenção, que já se punha à mesa da modernidade, se fez ainda mais urgente. Para aquecer o caldeirão das mudanças, vieram duas guerras mundiais, a psicanálise de Freud, a industrialização a toda — e aquelas aristocráticas poses revestidas de formalidade se viram obsoletas.
Com a intensidade de ventos tão transformadores, o clima era propício para transbordar nas telas angústias e medos de uma era farta em emoção, em que a subversão das linhas foi um desdobramento natural. É esse passeio pela revolução dos retratos que promove The Face of Life: Modern Portraits at The Met, exposição em cartaz até 8 de outubro no Metropolitan Museum, em Nova York. O precioso conjunto de oitenta obras produzidas entre 1900 e 1960, abrangendo nomes que se desviaram de maneira extraordinária do solo conhecido, entre eles Henri Matisse, Joan Miró e Pablo Picasso, mostra como o mergulho no interior dos personagens se sobrepôs ao que era visível, à base de cores vibrantes e variadas experimentações no campo da forma. Ao percorrer as galerias, o visitante se põe diante de um sacolejo que enriqueceu os portraits — se antes eram um serviço prestado ao retratado, eles se tornam quase que uma confissão do próprio artista, também ali representado. “O que o pintor sente e teme e a época em que vive começam a vazar para os quadros com uma franqueza sem precedentes”, observa Ana Cavalcanti, da Escola de Belas Artes da UFRJ.
Logo no início da exibição, o retrato que Pablo Picasso produziu da escritora americana Gertrude Stein, cujo apartamento em Paris, no agitado início do século XX, era um entra e sai da turma de vanguarda, é emblemático de uma atividade que foi ganhando subjetividade. Em 1905, Picasso ficou tête-à-tête com sua modelo dezenas de vezes e foi dar um giro na Espanha. Na volta, bateu a vontade de pintar de novo o semblante da amiga, extraindo inspiração da memória. A fisionomia original foi então substituída por uma espécie de máscara. Apresentada à peça, uma exaltada Gertrude disse que em nada se parecia com ela, a que o autor respondeu: “Acabará parecendo, você vai ver”. E assim foi. Passadas três décadas, a escritora reviu sua opinião. “Para mim, sou eu mesma, e é a única reprodução de mim que será sempre eu”, disse ela, que deixou como herança ao Met a imagem pela qual queria para sempre ser lembrada.
A ousadia de Picasso e outros abriu uma avenida para a arte dos retratos, que foi radicalmente se afastando do conceito original. “Mesmo obras que não são retratos stricto sensu é como se fossem, já que funcionam como um registro”, explica Stephanie D’Alessandro, curadora da mostra. Não espanta que, em tal escaninho, apareçam pessoas (e até objetos) que jamais posaram para o artista. Um exemplo é a tela Portrait of a German Officer, do modernista americano Marsden Hartley. Embora centrada em um oficial alemão por quem o pintor revelava admiração, a obra praticamente elimina a figura humana e a substitui por uma coleção de símbolos militares, bandeiras e números. A composição, em tudo abstrata, se desprende do retrato convencional e captura com fidelidade os ventos nacionalistas que sopravam antes da I Guerra. Outro que consta no rol dessa era de tamanha efervescência é o que o francês Maurice de Vlaminck fez do parceiro de ateliê André Derain, conhecido pelo temperamento forte. As cores quentes e contrastantes traduzem a rebeldia do personagem sem compromisso com linhas e contornos.
Como a roda das mudanças nunca para, o século XXI trouxe à baila uma espécie nova de portrait, que de novo pôs do avesso o que estava estabelecido. O autorretrato, que já havia deixado à humanidade belas telas, como as que o genial Van Gogh fez sob as tintas da melancolia no século XIX, é agora impulsionado em escala planetária pelas selfies, vocábulo que entrou com tudo no dicionário contemporâneo. Estima-se que 5,3 bilhões delas sejam tiradas por dia, uma modalidade na qual são as pessoas que gerenciam a própria imagem, aplicando filtros (e como) sobre o que desejam transparecer. “Vivemos uma era em que o retrato que postamos nas redes acaba nos representando mais do que nós mesmos ao vivo e em cores”, diz o antropólogo Bernardo Conde. Não custa revisitar palavras de Van Gogh em uma de suas famosas cartas ao irmão, na qual esclarece por que pintava a si e aos outros. “Quero que meus retratos sejam admirados não pela fidelidade fotográfica, mas como meio de expressão e exaltação do caráter”, dizia. Em tempos pré-internet, era um homem à frente de seu tempo.
Publicado em VEJA de 3 de julho de 2026, edição nº 3002
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